Рецензии на фильмы. Страница 22

Довгий і важкий шлях подолав фільм Рідлі Скота «Той, хто біжить по лезу», прем’єра якого відбулася у далекому 1982 році. Прийняли стрічку дуже холодно, вона піддавалася численній критиці. Але згодом світ побачила режисерська версія картини і її переосмислили. Сьогодні «Той, хто біжить по лезу» вважається культовим, чи не кращим науково-фантастичним фільмом в історії. Більш ніж через три десятки років нуарній антиутопії вирішили дати «друге дихання», що викликало неабияке хвилювання фанатів. Ніхто і уявити не міг, що нова стрічка нічим не поступиться оригіналу і буде гідним продовженням класики. «Той, хто біжить по лезу 2049» – глибокий, далеко не одноразовий та дійсно захоплюючий фільм, який не зрадив стилістиці та змістовності оригіналу.

Музичний супровід, візуал – ідеальні, чудово підкреслюють похмуру, гнітючу атмосферу. Вони з перших же хвилин переносять у депресивний, сірий, повільно помираючий світ альтернативного майбутнього. Радіоактивні пустелі, безплідні землі, руїни та звалища простягаються на десятки кілометрів, а перенаселені міста – на сотні. Показані технології дуже цікаві, практичні. Одразу помітно старання та оригінальність творців стрічки. Людство у фільмі дуже розвинене технологічно, але в результаті втратило свою душу. Ідеали, мораль, справедливість – усе втратило свій зміст, сприймається не як орієнтир, а, скоріш, як пережиток минулого. У 1982 році це не привертало такої уваги, але зараз легко помітити, що техніка дійсно витісняє духовність з життя людей. Виникає питання – чи не подібне майбутнє чекає наших нащадків? Ідеально поставлені сцени разом із операторською роботою зачаровують. Візуал яскравий та похмурий одночасно, дуже красивий, буквально кожен кадр – витвір мистецтва. Багато уваги приділено деталям, які ніяк не впливають на сюжет, але формують загальну атмосферу стрічки, передають хаос та депресивність у суспільстві. Дені Вільньову, режисеру картини, низький уклін.

Крім неперевершеної атмосфери, «Той, хто біжить по лезу 2049» може похвалитися шикарним сценарієм.

Фільм піднімає дуже глибоку проблематику. І це стосується не лише показаного альтернативного майбутнього, але й нашого, реального світу. Так, зараз уже немає офіційного рабства, але з дня на день вчені створять клона людини. Можливо, виключно з цікавості, але це підніме важливі моральні питання. Де та абстрактна лінія, що розділяє людяність та інноваційність, правильність та практичність? У контексті картини не важко зачепити і релігійне питання сутності людини: Чи має душу особа, створена не Богом, природньо, а іншою людиною, штучно? «Той, хто біжить по лезу 2049» змушує замислитися над усім цим. Де межа між річчю, творінням рук людських, та, власне, людиною-творінням? Де знаходиться границя між порушенням наших невід’ємних прав на життя, гідність та експлуатацією речі, коли ми і є цією річчю? У часи Античності (коли рабство процвітало) подібні питання не задавали, але сучасне покоління бачить світ набагато багатограннішим, складнішим. Таким же і є фільм.

Слід відмітити неабиякий драматизм стрічки. Проявляється він не лише через головних героїв, але і через другорядних персонажів та загальну проблематику стрічки.

Сюжет неперевершений. Чудово прописаний, нелінійний, містить несподівані повороти. Інколи зачіпає історію, показану в оригінальній картині. Ці моменти дуже емоційні.

Детективна сюжетна лінія зачаровує, тримає у напруженні до останніх хвилин фільму, постійно змушує аналізувати кожен крок героїв, кожну «зачіпку». При цьому, справу цілком можна розгадати самому впродовж перегляду фільму, тут немає приховувань заради несподіваної розв’язки, усе логічне та, при достатньому рівні уваги, очевидне. Але для цього необхідно уважно обдумувати кожну деталь, кожну дрібницю, показану і непоказану, сказану і несказану. Ця простота і складність одночасно створюють неабияку інтригу та зацікавлюють глядача, який впродовж перегляду неначе складає частинки мозаїки в цілісну та дещо неочікувану картину.
Незвична, неоднозначна і переповнена хімією, чуттєвістю любовна сюжетна лінія. Одразу вона трішки збиває з пантелику, але згодом ти уже співпереживаєш їй. З одного боку вона відображає те, що є для кожного з нас справжнє кохання, як легко нам прив’язатися до когось, хто завжди нас розуміє та підтримає. З іншого бачимо гнилість суспільства, яке проміняло духовність на технологічність, те, як легко остання може замінити найбільш людське, що лише може бути. Все ж, любовна сюжетна лінія насичена почуттями та глибоким змістом, героїв розумієш, з ними хочеться переживати всі ті моменти близькості, хвилювання, щирого кохання, болю.

Персонажі глибокі, продумані, чудово розкриті завдяки акторській грі та контексту фільму. Майже нічого не говорячи більшість фільму, вони передають більше емоцій, змісту, ніж це можна було б зробити за допомогою слів. Раян Гослінг неперевершений, Дейв Батіста, Харісон Форд, Джаред Лето, Робін Райт, Ана де Армас чудово втілили своїх персонажів, приємно здивували.

Стрічка важка, змушує замислитися над сюжетом, над героями, над піднятою проблематикою. Складність підсилює велика тривалість, неспішність, гнітючість та депресивність картини. Проте, вона не залишить байдужим глядача, який хоче побачити змістовне кіно. Фільм спонукає задавати собі питання: Що є людина у цьому світі? Біологічний вид, що має набір потреб та емоцій? Чи може істота, яка осмислює своє існування? Тут ця межа розмита і стрічка дає змогу кожному дати власну відповідь. Крім цього, закінчення картини відкрите, що прив’язує завершення історії до суб’єктивного її бачення глядачем. Майже три години за переглядом пролітають непомітно, залишаючи сильний післясмак та бажання знову передивитися цей витвір мистецтва. «Той, хто біжить по лезу 2049» – фільм специфічний, але його важко не назвати шедевром, гідним продовженням класики.

Я ніколи не поділяв франшизи про Людину-Павука на погані та хороші. Мені подобається дилогія «Нова Людина-Павук» з Ендрю Гарфілдом. Так, вона слабка в багатьох аспектах, але ці дві стрічки мають шикарний візуал, захоплюючий екшен та дуже емоційні сцени, які зачіпають за живе. Трилогія із Тобі Магвайром не може похвалитися такими якісними спец-ефектами, але там більше уваги приділялося саме становленню Людини-Павука як супергероя – формуванню характеру Пітера Паркера, його мотивації до боротьби зі злочинністю, було показано, як він отримав свої сили та крок за кроком опановував їх. Крім цього, за три фільми ми побачили багато колоритних антагоністів дружнього сусіда. Обидві франшизи мають свої переваги та недоліки. І обидві варті уваги.

Здавалося, чим же може здивувати глядача уже шостий за останні роки фільм про Павучка? Студійні боси Марвел дуже серйозно поставилися до цього питання, адже Людина-Павук – один з найпопулярніших персонажів коміксів, який уже має величезну кількість фанатів, і тому дуже цінний для кіностудії. І здивувати вдалося. «Людина-Павук: Повернення додому» – цікавий фільм і чудова (якщо не найкраща) картина про дружнього сусіда.

Технічна складова. Студія Марвел уже давно довела, що не шкодує ресурсів та сил для своїх творінь. Візуально картина дуже якісний: чудові спецефекти, декорації, підбір акторів, грим, костюми. Багато натуральних зйомок. Зображення продумане до деталей, багато відсилок до коміксів та майже непомітних дрібничок, які формують загальну атмосферу фільму. Взяти хоча б школу Пітера, де на стінах зображені Великі науковці даного всесвіту – Говард Старк (батько Тоні Старка) та Брюс Бенер. Сюжет стрічки динамічний, цікавий, містить навіть кілька несподіваних поворотів. Хороший сценарій та візуал дозволяють передивлятися картину «Людина-Павук: Повернення додому» знову і знову.

Гумор, як завжди, на висоті. Найчастіше він ситуативний, робить фільм в загальному легким та веселим. При цьому, перед нами не банальна комедія. Стрічка зачіпає досить глибокі питання, що відображається як в головному героєві, так і в антагоністові (детальніше про це далі). Також моментами в картині присутнє навіть напруження, що цілковита заслуга Майкла Кітона, який зіграв противника Павучка. Все це разом робить фільм багатогранним, простим та змістовним одночасно.

Чудово прописані персонажі. Навіть другорядні герої індивідуальні, цікаві та мають свою каплю харизми. Найкращий друг Пітера Нед (Джейкоб Баталон), тітка Мей (Маріса Томей), Ліз (Лора Херіер), Флеш Гордон (Тоні Револорі), Герман Шульц, або Шокер (Букем Вудбайн) та інші – запам’ятовуються, попри невелику кількість екранного часу, мать різні характери, відіграють свою роль у подіях фільму та житті Пітера Паркера. Особливо слід відмітити Мішель Джонс (Зендая Коулман), яка вкрала буквально кожну хвилину свого перебування на екрані. Розумна, кумедна і трішки чудернацька дівчина, персонаж, в якого закохуєшся буквально з першої ж сцени. Тепер про основних героїв.

Пітер Паркер у виконанні Тома Холанда вийшов дуже навіть хорошим. Актор чудово зіграв дружнього сусіда, серйозно поставився до ролі. Навіть більшість трюків виконував самостійно. Павучок Холанда зовсім не схожий на попередні втілення цього персонажа. Людина-Павук тепер дійсно школяр, який вчиться життю, формується як особистість, доброзичливий та наївний. Багато часу приділяється показу саме шкільного життя хлопця. На плечі Пітера впав важкий тягар у вигляді надлюдських сили й спритності. Юнак намагається вчинити правильно, використовуючи дар для допомоги звичайним людям (адже з великою силою приходить велика відповідальність!). Він намагається стати таким, як Месники, пробує допомагати іншим, боротися зі злочинцями. Але він лише вчиться і тому робить помилки, багато помилок. Така недосвідченість спричиняє багато кумедних ситуацій. Людей, які чекають на видовищний екшен, цілком самостійного та сформованого Людину-Павука, чекає розчарування. Але фільм і не розповідає про те, як Пітер отримав свої надздібності і як вирішив почати боротися зі злом. Павучок Тома Холанда – це щось середнє між людиною, яка знайомиться зі своїми силами і уже повноцінним супергероєм. Така недосконалість Павучка наближує його до простого люду, робить його подібним до кожного з нас.

Окрім цього, фільм через становлення Пітера Паркера як Людини-Павука зачіпає дуже важливу для супергероїки проблему – повністю присвячуючи себе допомозі людям, доводиться жертвувати чимось особистим. По-суті, подібне питання неодноразово поставало і перед кожним із нас – «Загальне благо чи особиста вигода?». Просто в контексті супергеройства виглядає це набагато яскравіше.

Тоні Старк у фільмі «Людина-Павук: Повернення додому» хоч і являє собою другорядного персонажа, але фактично виконує одну з основних ролей у сюжеті. Він є причиною появи Стерв’ятника, сильно вплинув на створення його ідеології. Також Старк – наставник Пітера, створив йому високотехнологічний костюм, наглядає за школярем та допомагає порадами. Більше того, Залізна людина для Паркера кумир і джерело натхнення. Але і юнак для Тоні не пересічна людина. Він відчуває відповідальність за можливості, які надав хлопцеві, та навіть прив’язаність до нього. Така піднята проблематика наставництва, навіть батьківства ще краще розкриває і без того глибокого персонажа, адже стосунки з батьком для нього досить болюча тема. Герой, при всій своїй серйозній ролі в показаній історії, не втрачає комічності, його жарти – перли картини. Неперевершено зіграний Робертом Дауні молодшим, він все той же всіма улюблений геній, мільярдер, плейбой і філантроп, який своєю харизмою затьмарює усіх в кадрі.

Тепер про те, що робить фільм «Людина-Павук: Повернення додому» на голову вищим за більшість інших проектів (якщо не усі). Антагоністом стрічки виступив Адріан Тумпс, або Стерв’ятник. На екрані його неперевершено втілив талановитий актор Майкл Кітон. Чудово прописаний та розкритий у фільмі, розумний, самостійний, мотивований персонаж з сильним характером. Не можна не згадати про шикарний дизайном костюма, який виглядає велично і практично,  красиво і лякаюче одночасно. З одного боку перед нами людина, ображена на верхівку суспільства, бо та вважає себе кращою за пересічних жителів. Старк, якого усі вважають рятівником, ледь не боготворять, продавав зброю, якою знищували сотні тисяч невинних. А чому Адріан не може також заробляти собі гроші, торгуючи смертю? Чим він гірший від Старка? З іншого – бачимо чоловіка, який щиро любить свою сім’ю, давно уже сформовану особистість, яка має принципи, здатна на співпереживання та вдячність. Тумпс ладен піти на все заради близьких, їхнього добробуту. І наявність специфічних умінь та знань дозволили йому своєрідно пристосуватися до тогочасного стану в суспільстві. Добре написаний сценарій разом із чудовою акторською грою створили шикарного, нетипового та дуже цікавого персонажа. Стерв’ятник – хижак, так він виглядає зі своїми гігантськими металевими крилами, так він і діє – стрімко, агресивно та впевнено. При цьому, Адріан – звичайна людина, який вміє любити, поважати інших, а не лише сліпо ненавидіти. Це не картонний, не шаблонний злодій, а живий і дійсно харизматичний антагоніст.

Події фільму «Людина-Павук: Повернення додому» мають локальний характер. Тут не побачиш порятунку світу від страшної загроза, пафосних монологів чи філософських роздумів. Павучок лише хоче допомагати звичайним людям, своїм сусідам та знайомим, зашкодивши постачанню небезпечної зброї на рідні вулиці. Паркер ще молодий, брак досвіду змушує його робити помилки. Звичайні мотиви керують і Стерв’ятником – він зневажає людей, які забувають, хто будує їхні міста, хто воює за них у війні. Він хоче, щоб його родина не думала, що вони їстимуть завтра, могла вдихнути на повні груди і жити, не рахуючи кожну копійку. Хіба ці бажання зловісні? Обоє – звичайні люди, зі своїми радощами та проблемами, потребами та інтересами, як і ми з вами. Ця простота героїв, їх близькість до пересічного народу, загальна легкість картини і створюють те, за що усі так люблять фільми про дружнього сусіда, – душевність.

Все ж, стрічка не позбавлена і мінусів. Невиразність саундтреку, яка хоч і не впливає на атмосферу, але помічається уважним глядачем. Також багатьом може не сподобатися те, що Людина-Павук досить слабкий у стрічці, немає захоплюючого екшену. Але цим пожертвували для загальної стилістики фільму, тобто реалістичності, приземленості сюжету, показу Павучка-початківця, який лише вчиться бути героєм. Це робить Людину-Павука ближчим до глядача. Та найзначнішим мінусом фільму «Людина-Павук: Повернення додому» є його сильна прив’язаність до інших стрічок. І стосується це не лише кіновсесвіту Марвел. Нам не показали зародження сил Пітера Паркера, формування його жаги до справедливості (поштовхом до чого стала смерть дядька Бена). Мотивувалися боси Марвел тим, що це показали вже двічі в інших фільмах. Але ж людині, яка не знайома з попередніми картинами про Людину-Павука, буде важкувато зрозуміти, що сталося з Пітером, про яку втрату, пережиту тіткою Мей, він говорив у фільмі. Те саме стосується й прив’язки до кіновсесвіту. Події стрічки відбуваються одразу після третього фільму про Капітана Америка, а філософія антагоніста напряму сформована подіями фільмів про Месників. Тоні Старк же, будучи одним з основних персонажів фільму, має три сольних фільми і грав важливу роль ще в трьох стрічках. І впродовж усього цього часу герой Роберта Дауні молодшого розкривався і розвивався. Тобто, щоб повноцінно розуміти й оцінити фільм, потрібно подивитися ще десяток інших. З одного боку це розвиток улюбленого всесвіту Марвел, але з іншого – досить несамостійний фільм.

«Людина-Павук: Повернення додому» – одна з найкращих стрічок Марвел, яка нічим не поступається попереднім втіленням Людини-Павука, а в дечому і перевершує їх. Фільм дійсно вартий уваги. Якщо Ви ще з якихось причин не бачили його, то постарайтеся якнайшвидше виправити це! Картина легка, весела, змістовна, красива та продумана, містить багато відсилок, цікавих персонажів. Та найголовніше у новій історії про Павучка – це її душевність, яка залишає після перегляду приємне враження і сильне бажання знову повернутися у світ дружнього сусіда.

В 1982 году фантастический нео-нуар Ридли Скотта «Бегущий по лезвию» встряхнул кинематограф, показав зрителям мир будущего, где человечество сталкивается не с ужасными инопланетянами, а с внешне не отличимыми от людей созданиями, которых оно само сотворило для грязной работы и прочих нужд. Но репликанты оказались не просто блеклыми копиями людей, они стали разумными организмами, способными самостоятельно мыслить, чувствовать и любить. И мировой порядок оказался под угрозой, ведь рабы переставали быть рабами...

Пересказывать события «Бегущего по лезвию», происходившие в 2019 году, нет смысла, просто посмотрите его на досуге. Причем неважно до или после просмотра сиквела, поскольку «Бегущий по лезвию 2049» является не только продолжением, а и вполне самостоятельной историей. Скотту уже не в первый раз возвращаться в свой же мир много лет спустя, ведь недавно он сделал это с франшизой «Чужой» в «Прометее», но к сиквелу «Бегущего по лезвию» кинематографист подошел с еще большим трепетом и решил сделать его современной фантастикой, в некотором роде инновационной, каким и был оригинал. А для этого нужно было свежее виденье.

Прошлогоднее «Прибытие» развеяло последние сомнения насчет правильно выбора Дени Вильнева на роль режиссера сиквела культовой фантастики, но после просмотра «Бегущего по лезвию 2049» можно смело сказать, что теперь он может снимать и переснимать все, что только ему заблагорассудится, поскольку такого фильма никто не ожидал. Многие надеялись, но однозначно утверждать, что он создаст нечто настолько действительно инновационное, прекрасное, волшебное и, в конце концов, фантастическое, никто не осмеливался. А он просто взял сценарий Скотта, таланты Райана Гослинга и Харрисона Форда и сделал это.

« – У меня есть воспоминания, но я не могу сказать, реальны ли они.»

Главным героем продолжения выступает репликант К, который ловит репликантов другого выпуска, сбежавших после войны. На эту роль выбрали Гослинга, напомнившего в прошлом году всему миру, что он является одним из лучших актеров современного Голливуда, и здесь они попали точно в яблочко. Если кто и мог потягаться в прямом и переносном смысле с Фордом, то это именно Гослинг. Более 70% фильма его герой проводит в крови, и каждая новая ниточка в его расследовании приносит К еще больше физической и психологической боли, ломает его, но он продолжает копать дальше. Впервые за свою жизнь на службе он не просто выполняет приказы. Он делает то, во что верит и к чему лежит его сердце. В «Бегущем по лезвию» Гослинга не загоняли в рамки, давая актеру время погрузиться в эмоции К, и он смог так достигнуть новых глубин. Форд сделал Рика Декарда знаменитым, культовым персонажем фантастики, и Гослинг сделал то же самое со своим К, сыграв его так, что перехватывает дыхание. На следующих комик-конах наверняка будет куча парней в таком плаще, как у него.

« – У тебя ведь нет детей?

– У меня их... миллионы.»

Главным антагонистом истории стал владелец компании по производству репликантов Ниандер Уоллас. Вживаясь в этот образ, Джаред Лето вновь пошел на все, заказав себе линзы, в которых он действительно ничего не видел. Некоторые скажут, что достаточно было просто сыграть слепого, но в чем тогда было бы веселье? С Лето либо идти до конца, либо искать кого-то другого. А другой нам здесь не нужен. Никто не смог бы создать на экране образ такого расчетливого и самовлюбленного пророка. Ведь даже в жизни Лето похож на Иисуса со своими чистыми глазами, длинными волосами и бородой. Но за этой милой внешностью может скрываться кто угодно, что снова доказывает актер. В его персонаже есть нечто гипнотизирующее, а присутствие Ниандера ощущается, даже когда он еще не вошел в кадр. Он буквально играет Бога, создающего жизнь и отбирающего ее. Не зря ведь он говорит, что у него миллионы детей. У него даже есть свой ангел – репликант Лав, его правая рука. Она готова ради него на все, и она идет на все, лишь бы исполнить волю своего создателя. Ее воплощает голландская актриса Сильвия Хукс, которая впервые шокировала меня в фильме «Лучшее предложение» несколько лет тому назад. Здесь она вновь шокирует в приятном смысле – в ней есть столько злости, силы, жажды, одержимости и стремления быть лучшей, что оказавшимся у нее на пути не позавидуешь.

« – Ты никогда не видел чуда.»

Гослинг, Форд, Лето... Все они актеры с мировым именем и не одной наградой на полке, но лично для меня настоящим откровением фильма стал Дэйв Батиста. Вы наверняка знаете этого бывшего рестлера по роли инопланетянина без чувства такта Дракса в «Стражах Галактики», где он смотрится гармонично, но за эти несколько лет его популярности у многих возникал вопрос, может ли он сыграть серьезную роль. И в «Бегущем по лезвию 2049» Батиста получил шанс ответить на этот вопрос сразу всему миру: да, он может сыграть драматическую роль, и, растрогав чуть ли не до слез, показать одного из самых человечных персонажей данной антиутопии, оставаясь при этом горой мышц, встреча с которой для К прошла весьма травматично. Обязательно посмотрите с Батистой короткометражку-приквел «2048: Некуда бежать». Он поразит вас и там.

« – Я всегда говорила тебе, что ты особенный.»

В оригинальном фильме нашлось место для истории любви, и сиквел тоже не становится исключением. Вот только в 2049 году найти настоящую любовь для репликанта не проще, чем в 2019 или даже в нашем 2017. Поэтому у К есть его идеальная Джои, но с первой минуты знакомства с ней возникает двоякое чувство по отношению к этой паре. Они то убеждают тебя, что это самая настоящая любовь, то возвращают в реальность, показывая, что какой бы реалистичной ни была Джои, на самом деле в ней все фальшиво. В один момент К это понимает, когда стоит напротив ее рекламы, но от этого менее больно не становится. Актриса Ана де Армас в образе Джои очаровывает. Она пробуждает в К самые светлые чувства, а зрителю показывает, как опасно отгораживаться от настоящих людей и заводить отношения с красивой иллюзией. Слишком современная и горькая лав-стори.

Вильнев снял «Бегущего по лезвию 2049» не только для поклонников оригинала или жанра научной фантастики в целом, он снял эту картину для настоящих ценителей кинематографа. Для тех, кто, окунувшись с головой в эту мрачную антиутопию почти на три часа, вынырнув, скажут, что хотят вновь туда вернуться. Оператором этого визуального чуда стал Роджер Дикинс, на чьем счету 13 номинаций на «Оскар». И если за «Бегущего по лезвию 2049» его не номинируют и не наградят этой статуэткой, то мир совсем несправедлив. Такой потрясающей картинки вы еще не видели. А в дополнение – музыка Бенджамина Уоллфиша и Ханса Циммера, еще более великолепная, чем Циммер создал для «Дюнкерка».

Жанр антиутопии призван показывать жестокое будущее, которое, как мы надеемся, никогда не наступит, но антиутопия Вильнева (уже не Скотта, а именно Вильнева) манит в свой неидеальный мир. Люди, репликанты, летающие машины, технологии, создающие идеальных призрачных партнеров, стена между двумя мирами, шикарный город прошлого, окутанный пылью, перенаселенный город нынешнего, где всех пожирает одиночество... Этот экранный мир может многим показаться очень знакомым, поскольку мы частично уже живем в том 2049 году. Но несмотря на всю его тьму, в нем ярко сияет триумф человеческого духа, как обещал Форд в недавнем интервью, и не важно, исходит он от человека, или от репликанта. Поэтому в конце просто хочется быть там и сидеть на ступеньках рядом с К, держа его за руку, пока вокруг идет снег.

Открытый финал дает волю фантазии, показывая, что у этой истории есть будущее. Покажут ли нам его когда-нибудь кинематографисты, или эта сага закончится 2049-м годом, остается только гадать. А сейчас давайте просто насладимся подарком Вильнева, который уже хочется пересмотреть и добавить в свою коллекцию лучших фильмов.

Теперь никто не сможет обвинить офицера К, бегущего по лезвию, в том, что он не видел чуда. И мы видели это чудо вместе с ним.

В 2014 году кинокартина «Кингсман: Тайная служба» взорвала жанр шпионских боевиков своим нестандартным подходом, острым юмором и бесстыдной (и меткой) сатирой на другие истории об известных шпионах. И вот три года спустя режиссер Мэттью Вон поспешил представить его сиквел, в котором история приобретает международный масштаб.

После представления бравых британских шпионов «Кингсман» в первом фильме, было весьма логично включить в повествование американских агентов, ведь вместе со своими британскими коллегами они всегда были самыми знаменитыми героями кинофильмов. Поэтому когда на штаб-квартиру «Кингсман» совершается нападение (и это еще слабое слово, учитывая масштаб разрушений), Эггси и Мерлин пакуют чемоданы и отправляются в США, в гости к агентам «Стейтсмен», ведь только вместе они смогут спасти человечество от опасной угрозы.

Как и агенты «Кингсман», агенты «Стейтсмен» также были вдохновлены различными стереотипами о своей нации, как ковбойские шляпы, южный акцент, вспыльчивость, любовь к ружьям и виски и даже лассо. Ведь в Америке каждый второй – ковбой. Одного из таких агентов воплотил Ченнинг Татум, и встречу с ним Эггси и Мерлин точно никогда не забудут.

Благодаря их различиям за сотрудничеством «Кингсман» и «Стейтсмен» очень интересно наблюдать, и ни британцы, ни американцы не дают ни расслабиться, ни заскучать в этом взрывном во всех смыслах сиквеле. Первый «Кингсман» сделал Тэрона Эджертона звездой мирового масштаба, и видеть его вновь в образе Эггси – одно удовольствие. Он остается самобытным персонажем в мире шпионского жанра, которому легко сопереживать, ведь он, став шпионом, не потерял ни грамма своей человечности. И в том оранжевом смокинге, что бы там кто ни говорил, он выглядит шикарно.

Самым ожидаемым событием «Кингсман: Золотое кольцо» без сомнений стало возвращение Колина Ферта в образе агента Гарри Харта. Несколько лет назад мы попрощались с ним, когда злодей Валентайн (Сэмюэл Л. Джексон) выстрелил ему прямо в голову, и с тех пор гадали, как он может после такого выжить. Разумеется, здесь не обошлось без фантастической технологии из будущего, которая позволяет агентам выжить после подобного повреждения мозга. И хотя это звучит немного бредово, таким сюжетным поворотом Вон убил двух зайцев сразу: вернул полюбившегося зрителям персонажа и посмеялся над всеми «возвращениями из мертвых», которые так любят голливудские сценаристы.

Что касается остальных персонажей, то отношение к каждому из них разное. Например, очень понравилась игра Марка Стронга, который воплощает агента Мерлина. Ему здесь дали развернуться, и сцена с ним поющим в финале имеет особый шарм. Но жаль, что слили героиню Софи Куксон. Такое чувство, что как только сценаристы решили, что у них с Эггси не будет романа, то ее можно без сожалений списать. Поклонников Татума предупреждаю, что сцен с ним здесь не так уж и много, а вот те, кому нравится очаровательный дьявол Педро Паскаль из сериалов «Игра престолов» и «Нарко», не будут разочарованы, поскольку у него предостаточно экранного времени. И крутое лассо, у которого есть функция лазерной резки противника, как у меча джедаев. Конечно, это оружие совсем из области фантастики, но отлично сочетается с ковбойским стилем «Стейтсменов». А вот потенциал Холли Берри здесь не был использован на полную. Ее героиня так сильно хотела быть агентом-оперативником, что было просто грешно не дать ей хоть одну минуту экшена.

Переплюнуть злодея Валентайна в воплощении Джексона из первого фильма, казалось бы, невозможно, но тут на экране появляется Поппи и за несколько минут зарабатывает звание самой чокнутой и эксцентричной злодейки всех времен. Она как Беллатриса Лестрейндж, только любит яркие цвета, стиль 1960-х и гораздо изощреннее в методах пыток и наказаний (сцена с бургером показала, что есть куда изощряться). В фильмографии Джулианны Мур это определенно одна из самых красочных и абсолютно неадекватных ролей.

Все, кто смотрел «Кингсман: Тайная служба», наверняка помнят ту принцессу, которая в конце фильма предложила главному герою сексуальную награду за свое спасение. Казалось бы, ее роль закончилась, так и не начавшись, но в сиквеле сценаристы решили вернуть Тильду в качестве одного из основных персонажей и, более того, построить с ней и Эггси любовную линию. Вы можете смеяться, но вся их история была так ловко обыграна Эджертоном и актрисой Ханной Альстрем, что быстро забываешь об их щекотливом знакомстве и действительно веришь в чувства этой странноватой, но искренней парочки. С их помощью Вон разрушил еще несколько стереотипов о принцессах, сексе на первом свидании, и о том, что шпионы не способны на настоящие чувства и должны в каждом новом фильме спать с новой девушкой (или девушками).

Когда стало известно, что в «Кингсман: Золотое кольцо» появится Элтон Джон, то все ожидали небольшое камео, как у Пола МакКартни в последних «Пиратах Карибского моря». Но заполучив такую звезду такого масштаба в свой фильм, Вон решил, что одной минутой экранного времени Элтон не отделается. За это ему огромное спасибо, ведь каждая сцена с певцом приносит море положительных эмоций и удовольствия. После просмотра он вполне может оказаться вашим любимым персонажем этого сиквела.

Разумеется, «Кингсман: Золотое кольцо» оказался не таким свежим и инновационным взглядом на шпионский жанр, каким был оригинал, но его суть заключается в том, чтобы рассказать больше о мире агентов «Кингсман», и он с этим успешно справляется. На экран возвращаются старые полюбившиеся герои; нам показывают, что в мире существуют и другие подобные организации, стоящие на страже всемирного порядка; плюс взрывы, хорошо поставленные драки, крутые гаджеты и стиль во всем. В этом Вону не откажешь. Чувство юмора фильма не уступает «Кингсман: Тайная служба», умело балансируя на грани фола и полностью оправдывая рейтинг R. После прилизанных голливудских картин, ориентированных в основном на детскую аудиторию, даже рот от удивления открываешь, видя, что этим агентам позволили вытворять и говорить в кадре. В общем, очень советую к просмотру поклонникам первой части.

Когда в мире появляется новая эксцентричная злодейка с безумным планом, то справиться с ней смогут только самые эксцентричные, самоуверенные и очаровательные агенты по обе стороны Атлантики – «Кингсман» и «Стейтсмен». Прячьте свои костюмы и выпивку, они уже мчат на помощь.

Девять лет назад режиссер Джастин Чадвик дебютировал в большом кино, сняв историческую мелодраму «Еще одна из рода Болейн», которую вы если не видели, то по крайней мере о ней слышали. И вот Чадвик решил вновь отправиться в прошлое и снять костюмированную историю любви, которая разворачивается на фоне тюльпаномании в Амстердаме 17 века, собрав для этой кинокартины именитый актерский состав. Но смогли ли знаменитые и отмеченные многими наградами актеры спасти этот фильм?

«Тюльпанная лихорадка» следует за сиротой Софией, которую воспитывали монахини, и для которой единственным шансом на жизнь вне стенах монастыря оказался брак с престарелым торговцем Корнелиусом. Он уже был женат, но его жена умерла, детей у него нет, и молодая супруга является для него последней надеждой продолжить род. Вот только как он ни старается (сцены их попыток зачать выглядят до боли нелепо и смешно), как ни молится, Бог все равно не посылает им ребенка. София поначалу очень стремится забеременеть, чтобы отблагодарить доброго Корнелиуса за крышу над головой и обеспеченную жизнь, о которой раньше и не мечтала, но ничего не получается. А потом в их доме появляется бедный художник Ян, они с Софией влюбляются друг в друга, и тут же вырисовывается любовный треугольник, о котором наивный Корнелиус ни слухом, ни духом.

На роли несчастливых супругов пригласили двух обладателей премии «Оскар» Алисию Викандер и Кристофа Вальца, и будем говорить честно, если бы не эти актеры, которые старались вопреки неважному сценарию, фильм получился бы совсем никудышный. Зная возможности Вальца, хотелось увидеть, как он терроризирует молодую жену, чтобы ей сопереживать и желать избавиться от жестокого мужа вместе с ней, но в «Тюльпанной лихорадке» Вальц предстает самым белым и пушистым человеком на свете. Он очень любит свою новую супругу, понимает, что ей непросто жить со стариком, изо всех сил заботится о ней, угождает ей, искренне переживает о ее здоровье и развлекает, чем может. А вместо благодарности получает измену.

Роль молодого, талантливого, но погрязшего по уши в долгах художника Яна исполняет Дэйн ДеХаан, для которого это уже третья роль на большом экране в этом году. И, к сожалению, далеко не лучшая. Хотя «Валериан» с ним получился все-таки хуже, чем «Тюльпанная лихорадка». У них с Викандер нет особой химии, которая сделала бы отношения и чувства их героев правдоподобными. Между его Яном и ее Софией существует от силы мимолетная страсть, увлечение, но точно не великая любовь, ради которой стоит идти на такую сложную авантюру, какую они придумывают, чтобы обмануть Корнелиуса. А героя Вальца и вовсе жалко от начала и до конца фильма.

Гораздо больше удовольствия получаешь, наблюдая за парой горничная и рыбак в воплощении Холлидей Грейнджер и Джека О'Коннелла. Они бесстыдно перетягивают на себя внимание в каждой сцене, да и их роману веришь гораздо больше, нежели «великой любви» главной героини и художника.

Чтобы актерский состав фильма казался еще более внушительным, будто двух оскаровских лауреатов недостаточно, Чадвик пригласил поддаться своей «Тюльпанной лихорадке» Джуди Денч, Зака Галифианакиса и Кару Делевинь, сыгравшую этим летом с ДеХааном в пресловутом «Валериане». Денч в роли аббатисы-бизнесвумен, заведующей грядками ценных цветов, как всегда несравненна, и без ее героини эта история была бы пресноватой. Галифианакис в последнее время так сильно похудел, что его почти не узнать, но его персонаж, хотя и очаровательный, показывает, что не стоит доверять пьянице. Причем это настолько очевидно, что когда ему поручают дело, от которого зависит все, то просто удивляешься, насколько эти персонажи глупы и неспособны увидеть, к чему приведет их выбор и поступки. У Делевинь роль здесь отчасти роковая, но весьма скромная по экранному времени, так что если планируете посмотреть фильм исключительно ради нее (вдруг вы – ее ярый поклонник или поклонница), то оно того не стоит.

Временами «Тюльпанная лихорадка» напоминает эротический женский роман в духе «Графиня и садовник», только вместо садовника – художник. То есть по своей сути является дешевой беллетристикой на один вечер, которая не несет в себе никакой художественной ценности. Зато визуально кинокартина получилась очень красивой: продуманные до деталей костюмы от обладателя «Оскара» Майкла О'Коннора, музыка от 4-кратного номинанта на «Оскар» Дэнни Элфман, декорации, красиво поставленные кадры... В общем над «Тюльпанной лихорадкой» работало огромное количество людей, отмеченных престижными наградами или хотя бы номинациями, а получился очень посредственный фильм, который нет желания пересматривать. Хотя я не сильно удивлюсь, если в начале следующего года он окажется в числе номинантов на «Оскар» в категории Лучшие костюмы.

И, в завершение, как сказала одна женщина, выходя из зала: (осторожно, сейчас будет спойлер!) «Лучше бы главная героиня утопилась». А то этот притянутый за уши хеппи-энд ничем не порадовал. Не хватило драматического или трагического финала, как, например, в «Грозовом перевале», чтобы хоть как-то реабилитировать историю. «Тюльпанную лихорадку» не спасло ни то, что съемки проходили в Великобритании, ни британский режиссер, ни европейские актеры – у Чадвика в результате все равно получилась типичная голливудская мелодрама. Разве только в ней постельных сцен больше. И то они впечатляют примерно так же, как постельные сцены из «Пятидесяти оттенков серого». То есть никак.

Когда в дом к скучающей молодой и красивой женщине, которая замужем за мужчиной, раза в два ее старшим, приходит молодой художник со своим острым карандашом наготове, любовного треугольника не избежать.

«Машина війни» – це американський драматично-комедійний фільм від Netflix, знятий за мотивами документальної книги «Координатор» Майкла Гестінгса. Картина розповідає про американського генерала, який командував Міжнародними силами сприяння безпеці в Афганістані. Кіно з одного боку висміює сучасний стан армії та війни, з іншого - показує дуже глибоку та цікаву особистість.

Гумор просто пречудовий. Ситуативний, тонкий, моментами заснований на грі слів, або на акторській грі, моментами навіть націоналістично забарвлений, але без перебільшень та вульгарності. Бред Піт виглядає у ролі дивакуватого генерала-простака Глена МакМана дуже кумедно. При цьому, якщо на початку фільму тонкий та легкий ситуативний гумор, простота стрічки дійсно веселить, то ближче до кінця картина уже набуває сумних, навіть дещо песимістичних тонів. Ми бачимо, який прогнилий світ і як мало насправді у ньому може зробити людина дії, принципова людина, яка просто хоче втілити у життя щось корисне.

Багато часу приділяється розкриттю суті миротворчих війн. Фільм не драматизує, не використовує пафосні сцени чи діалоги. Тут все пояснюється гранично доступно та просто. Взяти хоча б наведену в стрічці формулу війни з повстанцями: 10–2=20, де 10 - кількість повстанців, 2 - вбиті солдатами повстанці, а 20 - це кількість повстанців після двох смертей, коли до руху приєднуються друзі та родичі вбитих чужинцями людей. Як і більшість страшних реалій сучасності, показаних у картині, і цей аспект головний герой висвітлює небагатослівним, але змістовним жартом:

Не можна одночасно вбивати і рятувати. Ніяк.

Несподівано вразив герой Бреда Піта. Він, хоч і здається спочатку генералом-простаком, зовсім скоро постає перед нами як дуже сильна особистість, персонаж драматичний, практичний та принциповий за характером, своєрідний та добрий у душі. Окрім всього цього, він відображає популярний у військових драмах вислів «війна – це наркотик». Генерал МакМан присвятив армії левову частку свого життя і не уявляє себе без військової форми та бойових товаришів. Актор просто чудово зміг об'єднати одночасно дивакуватість та драму в одному героєві. Головний герой – справжній лідер. Та сучасному світу потрібні промовці, популісти, а не лідери. Стрічка ніби подає це як жарт, та сприймається це як вилите на голову відро холодної води.

Кіно через призму війни США в Афганістані висміює несприйняття розбіжностей менталітету народами, коли потреби одних сприймають як потреби інших, коли дорослі люди не розуміють елементарного. Також у стрічці висміюється бюрократія, корисливість та байдужість сучасного світу, його політизованість та дволикість. Усе це підсилено за рахунок головного героя-простака, який, будучи солдатом старої закалки, принциповим та правильним, почуває себе некомфортно поміж усіх цих людей та їхніх інтересів. Відповідно, будучи затисненим у лещата політики, ідеаліст змушений програти, так і не отримавши можливості щось зробити в умовах військової підпорядкованості старшим по званню. Та і заміну таким легко знайти. Так і працює сучасна машина війни.

Вирішуючи переглянути фільм «Машина війни», я очікував просто згаяти дві години часу за якоюсь непоганою комедією. В результаті відкрив для себе дуже змістовне кіно, яке змусило серйозно задуматися над тим, в якому світі ми живемо.

О новом творении Даррена Аронофски, создавшего культовый «Реквием по мечте» и не менее знаменитый «Черный лебедь», было известно совсем немного. Но история о супружеской паре, чье мирное существование нарушают незваные гости, оказалась гораздо сложнее и многограннее, чем можно было предположить.

С выходом первого трейлера «Мать!» многие недоумевали, почему у главных героев такая большая разница в возрасте, считая, что на роль Матери нужно было взять актрису постарше. Но Дженнифер Лоуренс взяли в фильм отнюдь не из-за голливудского сексизма, а по сюжету. Один из гостей даже отпускает шуточку по поводу того, что жена главного героя годится ему в дочери. По возрасту так и есть, но по глубине своей игры Лоуренс стала идеальным экранным партнером для Хавьера Бардема. Поначалу смотришь на их отношения, где она отдает ему всю себя, стремится во всем ему угодить, любит его безгранично и вкладывает в него весь смысл своей жизни, и понимаешь, что это ее первая и единственная любовь. Такую невинность и наивность можно сыграть только в молодом возрасте. Поэтому более взрослая героиня Мишель Пфайффер, одна из незваных гостей, так резко контрастирует на фоне Лоуренс, что помогает создать между ними конфликт.

Эволюция Матери на протяжении этих двух часов, которые порой кажутся целой жизнью, потрясает до глубины души. Лоуренс просто выворачивает себя наизнанку во второй части фильма. Это сложно описать словами, это нужно видеть, если вам нравится эта актриса. Так далеко она еще не заходила, и дело не только в сцене, где она частично обнажилась. Дело в голых эмоциях, которые пульсируют сквозь экран. Вместе с ней хочется кричать и рвать волосы на тех, кто разрушает своими руками ее Эдем, ее Рай, ее Дом. Без сомнений лучшая роль Лоуренс на сегодняшний день, а та роль, за которую она получила «Оскар» и в подметки не годится ее Матери.

По мере того, как все новые и новые люди и события встряхивают жизнь главных героев, эти супруги превращаются в нечто большее, чем обычных мужа и жену. Да они и никогда ими не были. В смысле, обычными людьми. Они – это две тесно переплетенные метафоры, облаченные в человеческую плоть. Она – Мать-природа, отдающая всю свою любовь, дарящая жизнь, которую никто не ценит, а он – кто же он на самом деле? Бардем не раз (и не два) воплощал на экране пугающих персонажей, но его герой из «Мать!» является их венцом. У него нет имени, но все называют его Поэтом, а в титрах его персонажа зовут Him – то есть, Он с заглавной буквы. Как Бог. При просмотре вы можете подумать, что он скорее Дьявол, подпитываемый человеческой любовью и вожделением, но нет. Здесь Аронофски смело играет с метафорой создания ложных идолов, и в результате у них с Бардемом получилась самая смелая интерпретация Всевышнего, которая когда-либо была показана на экране.

Особенным персонажем выступает сам дом, где происходят эти жестокие события. Он манит и пугает одновременно. Постоянно кажется, будто он является живым организмом: он дышит, он двигается, он живет. Его связь с Матерью напоминает симбиоз – они подпитывают друг друга, и здесь сложно не заметить параллель не столь глубокую, как Мать-природа, зато более близкую каждому – параллель с каждой женщиной-женой, женщиной-матерью, которая отдает столько сил и любви своему дому, своей семье, вкладывая огромную часть себя в каждый кирпичик, каждую стену, каждую комнату. Как говорит героиня Пффайфер: «Ты даешь и даешь, но этого всегда мало». Эти слова звучат правдиво как в контексте обычных человеческих отношений, так и в более глобальном смысле, если вспомнить, что перед нами – сама Мать-природа. Она дает нам все, а мы ее мало того, что не ценим и принимаем как должное, так еще и избиваем и насилуем в планетарном масштабе. Стоит ли потом удивляться, что она отвечает нам разрушительным гневом? Не стоит, но колесо продолжает вертеться, и мы не хотим учиться на своих ошибках. Человечество ведь само возомнило себя Богом и считает, что может делать с Матерью-природой все, что ему заблагорассудится. К чему это приводит, можно посмотреть в новостях.

«Мать!» заставляет усомниться в том, что есть реальностью, а что – кошмарной фантазией. Временами кажется, что это самая страшная и тревожная кинокартина, которую я когда-либо смотрела. Здесь нет монстров в традиционном понимании, как демон Пеннивайз в «Оно», но есть люди и их всепоглощающее безумие, которое накатывает волнами, все сильнее и сильнее, стараясь смыть тебя в океан своего сумасшествия. После просмотра возникает чувство, что сейчас тоже разверзнется земля под ногами и поглотит тебя. Это непросто выдержать, но порой необходима такая встряска.

У Аронофски получилось нарушающее табу и бескомпромиссное рассуждение о том, откуда мы происходим, куда идем, к чему стремимся всю нашу жизнь и где в результате заканчиваем, поглощенные Матерью-природой. Мы отчаянно пытаемся ее контролировать, но она все равно рано или поздно берет над нами верх. Замкнутый круг, который, как ни старайся, не разорвать.

Среди множественных деталей, создающих неповторимую атмосферу фильма, хочется отдельно отметить звук. Я обожаю слушать в кино разные необычные звуки, и этот звук надрывающейся струны из фильма «Мать!» проникает под кожу и остается там надолго. За свои звуковые эффекты фильм Аронофски точно достоин «Оскара».

Немногим данный фильм придется по душе, немногие смогут его высидеть и заходят в него погрузиться и понять его, но если вы готовы к этому, то он перевернет ваш мир и пополнит коллекцию ваших личных киношедевров. Очень хочется, чтобы «Мать!» собрала хорошую кассу; Аронофски нужно поддержать, чтобы он еще снял в будущем нечто эдакое, но реакция основной массы зрителей во время допремьерного показа меня неприятно удивила. Казалось бы, в зале были журналисты, интеллектуалы и прочие «сливки общества», но массовые глупые смешки от поверхностного восприятия кинокартины все равно присутствовали. Хотя и аплодисменты от другой части зрителей в конце тоже были (не могла же я одна так громко хлопать!). В общем, такая же реакция, как и на Венецианском кинофестивале. Поэтому могу сказать, что это самый немейнстримный фильм Аронофски и к нему нужно подходить осторожно. Выберите себе подходящую компанию для просмотра «Мать!», или сходите на нее сами, чтобы вам никто не нудел над ухом, не понимая и не желая понимать, что происходит на экране. В идеале, я пересмотрю его как-нибудь дома сама в полной тишине.

И помните: Мать-природу лучше не злить.

В США певцы нередко становятся актерами, вспомнить хотя бы Дэвида Боуи, Барбру Стрейзанд, Джастина Тимберлэйка, Уилла Смита и Леди Гагу (и этот список можно продолжать и продолжать). В современном украинском кинематографе последовать их примеру решил мегапопулярный в последние годы (и с этим сложно поспорить) Дзидзьо. Так относительно быстрыми для Украины темпами на свет родилось его первое кинотворение в жанре комедия «DZIDZIO Контрабас»...

Разумеется, перечисленные выше имена певцов/актеров являются просто примером, а не сравнением для вполне самобытного и стремящегося быть ни на кого не похожим Дзидзьо и его кинодебюта. Его «DZIDZIO Контрабас» не светят «Оскары» и «Золотые глобусы», но для украинского кино этот фильм – настоящее событие, которое в первую же неделю проката показало, что способно соперничать и с голливудскими кинокартинами.  В чем же его секрет? Чем он так сумел очаровать зрителей? Давайте попытаемся разобраться.

Снятая полностью в Украине комедия для массового зрителя и без участия студии «Квартал 95» (что сегодня редкость) оказалась незамысловатой историей о парне, у которого есть мечта, и он на все парах мчится к ней на своем красном разбитом пассате. В главной роли, разумеется, сам Михаил Хома, он же Дзидзьо, и его известная на всю страну борода. Если вы спросите у меня, стоит ли смотреть «DZIDZIO Контрабас», то первым делом я спрошу, как вы относитесь к Дзидзьо. Если положительно или нейтрально, то в этом фильме у него есть все шансы вас очаровать еще больше своей необъятной харизмой и самоиронией. Если же он у вас не вызывает теплых эмоций (ну вдруг такие люди все-таки есть), то и смотреть фильм с его участием незачем, поскольку его здесь будет ну очень много (о чем громко заявляет в этом кино все, начиная от его названия).

В отличие от себя реального, экранный Дзидзьо – абсолютно непопулярный певец, который строит дом на средства матери, находящейся на заработках в Италии, и выступает на праздниках в своем селе. Черты характера этого героя, а в частности амбициозность и самонадеянность здесь гиперболизированы до предела и не раз играют с ним злую шутку. Он впутывается в такие ситуации, что остается просить помощи только у Бога (их отношения с Всевышним – особая фишка фильма) и надеяться на чудо. Но он не сдается и идет до конца, и постепенно его хорошие черты берут верх то ли по доброте душевной, то ли под страхом божьей кары, не важно, главное, что ассоциировать себя с ним может каждый, ведь каждому хотелось бы, чтобы его заветная мечта осуществилась, да и от искушения сорвать большой куш за минимум времени вряд ли бы кто-то отказался.

Компанию Дзидзьо в фильме составляют его коллеги по музыкальной группе Назарий Гук и Орест Галицкий, и из них тоже получились весьма колоритные персонажи. Особенно проникаешься симпатией к простодушному «секьюрити/водителю», которого играет Гук. По характеру он – малыш Грут в человеческом обличье.

Алена Лавренюк хороша в образе крутой стервы, которая попадается ребятам на их и без того нелегком пути, но, несмотря на то, что я разговариваю в основном на русском языке, на фоне остальных украиноязычных персонажей ее русский сильно резал слух. Лучше бы уже все говорили на одном языке (предпочтительно украинском).

На суперблокбастер «DZIDZIO Контрабас», конечно, не тянет, хотя этот «жанр» упоминался на постерах фильма скорее с иронией, нежели всерьез. Зато комедия Олега Борщевского снята с душой и искренне стремится подарить зрителю хорошее настроение, что, кстати, у нее получается на ура. А в качестве бонуса после просмотра прибавляется чувство гордости за стремительно развивающееся украинское кино, поскольку данная кинокартина получилась гораздо лучше многих американских комедий со знаменитыми актерами. Стоит и о сиквеле подумать.

За своей мечтой можно гнаться на чем угодно. Хоть бы и на старом красном пассате. Главное, чтобы мечта была.

Когда талантливому актеру предлагают сыграть многостороннего персонажа, он с интересом хватается за такую возможность. Что уж говорить за семь ролей сразу, которых нужно сыграть в одном фильме. Устоять перед таким вызовом сможет далеко не каждый, трезво оценив свои возможности. Вот и Нуми Рапас не удержалась, подписавшись на роль семерых близняшек в научной фантастике «Семь сестер», но «Сплит» из этого не получился...

История о том, как в антиутопическом будущем, где семье по закону позволено иметь лишь одного ребенка, живут семеро сестер-близняшек, скрываясь и обманывая всех вокруг, чтобы выжить, звучит довольно интересно. Но потом за ее экранизацию взялся Виркола, режиссер таких «хитов», как «Операция Мертвый снег» и «Охотники на ведьм».

У Вирколы получился фильм, который рассчитан не столько на поклонников научной фантастики и антиутопий (поскольку их это творение точно разочарует), сколько на поклонников Нуми Рапас, которой здесь гораздо больше, чем нужно. Актриса очень старалась создать 7 разных героинь, но это задание настолько ее перегрузило, что все обернулось тем, что в каждой сцене, где нужно показать хоть какую-то яркую эмоцию, актриса ужасно переигрывает. Смерти ее героинь – упс, спойлер, ну ничего, может, если я предостаточно наспойлерю, вы не пойдете на этот фильм в кино и не будете мучаться целых 2 часа, как я – напомнили ту смерть Марион Котийяр в фильме «Темный рыцарь возвращается», над которой до сих пор смеются зрители, поскольку она абсурдна и неправдоподобна.

Рапас была хороша в «Девушке с татуировкой дракона», «Прометее» и в менее серьезном «Шерлоке Холмсе: Игра теней», почему на нее смотреть в «Семи сестрах» практически невозможно – большой вопрос. Очевидно, сыграть одновременно семерых людей по плечу не каждому. Не каждый ведь рождается Джеймсом МакЭвоем.

«Великой злодейкой» истории оказывается Гленн Клоуз, и что в этом балагане забыла 6-кратная (!) номинантка на премию «Оскар», сказать сложно. Ее героиня вводит частично адекватный закон: по одному ребенку на семью. Почему частично? Потому что из-за генно-модифицированных продуктов у людей рождаются по пять-семь детей за раз. И вместо того, чтобы удалять лишние эмбрионы на ранней стадии беременности, эта мадам предлагает вводить детей в криосон, чтобы потом они проснулись в светлом будущем. То есть технологии победить голод и мутацию эмбрионов у них нет, а вот как замораживать и размораживать живых людей, они уже умеют.

Ужасная правда, стоящая за порядком в мире «Семи сестер», по идее, должна нас шокировать, но она была очевидна с самого начала фильма. Поэтому хочется спросить у жителей этого будущего: неужели вы действительно поверили героине Клоуз? Неужели повелись на то, что у правительства нет мозгов и ресурсов прокормить существующее население, зато через несколько лет они эту проблему решат и выведут из криосна миллионы (если не миллиарды) голодных ртов, которые тут же вернут все на круги своя? Это ведь полный бред. А в конце нам показывают график того, как благодаря ее закону об одном ребенке уменьшилось население то ли Америки, то ли всей планеты (сказать сложно). И толку? Жить люди лучше не стали, их города разделены на гетто, они питаются крысами и боятся рожать. Очередное безрадостное будущее, плод больной фантазии кинематографистов, как ни крути.

Еще в «Семи сестрах» появляется Уиллем Дефо, который играет не отца, а дедушку главных героинь. Именно он внушает девочкам, чтобы они жили под единым именем, и учит их скрываться от остальных. Он понимает, на какой риск идет, оставляя семерняшек в этом жестоком мире, но дети этого не понимают. Лучше бы они стали ключевыми героинями в его коварном плане по свержению нынешнего порядка, а то жить взаперти и притворяться одним человеком до самой старости – совсем не весело.

В дополнение ко всему фильм показывает одну из худших постельных сцен в истории кино, которую смотреть невыносимо неловко (а мы ведь спокойно смотрим сцены инцеста Серсеи и Джейме). Не могу понять, зачем Рапас согласилась ради нее полностью раздеться перед камерой. Ради «Девушки с татуировкой дракона» понятно, зачем раздеваться, а здесь... Хотя может Рапас просто очень понравился актер Марван Кензари, вот и решила показаться ему в чем мать родила. Кстати, он скоро сыграет Джафара в «Аладдине» Гая Ричи, жаль что там у него не будет постельных сцен.

В общем, если вы собираетесь провести лето/открыть осенний киносезон фильмом «Семь сестер» – категорически не советую этого делать. Посмотрите пока «На драйве», или подождите выхода «Оно», этот ужастик просто обязан не разочаровать после такого кинолета.

Даже если вам очень нравится Рапас, вы вряд ли выдержите эти два часа нелепой антиутопии и плохо поставленного экшена.

Лето 2017 года хотя и порадовало несколькими хорошими фильмами, как «Чудо-женщина», «Война за планету обезьян» и «Дюнкерк», в основном разочаровало своими киноновинками, поэтому отчаянно хотелось чего-то веселого, несерьезного и дико развлекательного. И тут на фоне остальных комедий (и экшенов) с выхода своего первого трейлера, где звучит трогательная песня Уитни Хьюстон, выделился «Телохранитель киллера», обещающий незабываемый дуэт в лице Райана Рейнольдса и Сэмюэла Л. Джексона. Вооруженные и сквернословные Дэдпул и Ник Фьюри в одном фильме – что может быть лучше?

На счету режиссера Патрика Хьюза (не путать с творцом «Клуба Завтрак» Джоном Хьюзом) есть не много полнометражных работ: не особо популярный вестерн «Красный холм» и боевик «Неудержимые 3»; и что бы там кто ни говорил, последний из них мне все-таки пришелся по душе. Тем не менее, было неясно, чего от Хьюза ожидать в этот раз, зато после «Дэдпула» от Рейнольдса в комедии для взрослых можно ожидать лишь одного – умопомрачительного безумия, которое актер обеспечивает в «Телохранителе киллера» сполна.

Рейнольдс играет здесь бывшего элитного телохранителя Майкла Брайса, чья успешная карьера идет под откос после одного проваленного задания большой важности. Потеряв свой статус, хорошие гонорары и, в придачу, любимую девушку, он скатился на самое дно пищевой цепочки телохранителей, но не растерял своих навыков. И вскоре они приходятся как раз кстати, когда та самая бывшая девушка, работающая на Интерпол, просит его об услуге: доставить в Гаагу для дачи показаний против жестокого диктатора одного опасного киллера, с которым Брайс уже заочно знаком. В прошлом пресловутый Дариус Кинкейд пытался убить Брайса 28 раз, а теперь они вместе должны отправиться в дорожное путешествие и постараться случайно не убить друг друга.

Для «Телохранителя киллера» ни Рейнольдсу, ни Джексону не пришлось изобретать абсолютно новых героев; Брайс – это более истеричный Дэдпул без сверхспособностей, а Кинкейд – все крутые персонажи Джексона вместе взятые, приправленные значительной долей романтизма, ведь его герой так сильно любит свою жену и все ради нее сделает. Зато вместе они создали такой крутой дуэт, каких уже давно не было видно на большом экране. Их отношения на грани ненависти и любви не дают заскучать, и наблюдать за этой парочкой в их взрывоопасных приключениях – одно удовольствие.

Компанию Рейнольдсу и Джексону в этом безумии составили такие первоклассные актеры, как Сальма Хайек и Гари Олдман, а также менее известная Элоди Юнг, которая, кстати, и сама является частью супергеройского мира Marvel, воплощая Электру в «Сорвиголове». Хайек в образе боевой жены Джексона покорила с первой сцены, как и их чокнутая история любви в целом. Чрезвычайно серьезный злодей Олдмана – диктатор из Беларуси (не всем же голливудским злодеям быть из России) по имени Владислав Духов – вместе со своей армией наемников стал достойным противником для такого профессионального киллера и его первоклассного (класса 3А!) телохранителя. Да и приятно хотя бы в кино видеть гаагский суд над современным тираном, поскольку в реальной жизни мы этого вряд ли дождемся. У Юнг здесь тоже есть несколько крутых моментов. И на работе, и в отношениях с Брайсом ее героиня ведет себя так, что ее уважаешь. Она знает себе цену и уж точно не нуждается в том, чтобы ее прощали за то, чего она не совершала.

Творение Хьюза является достаточно хорошим экшеном с острым и метким юмором в стиле «Смертельного оружия» и прошлогодних «Крутых чуваков», хотя местами и не дотягивает до этих фильмов. Тем не менее, на фоне большинства кинокартин этого лета, которое оказалось богатым на провалы, «Телохранитель киллера» выступает именно тем развлекательным аттракционом из взрывов, перестрелок и прыжков через лобовое стекло, которого требует зритель. И все это происходит под отменный саундтрек в стиле того же «Дэдпула».

При просмотре зал искренне смеялся над злоключениями Рейнольдса и Джексона во весь голос и даже местами аплодировал, что случалось этим летом в кино довольно редко. Эти двое заслужили ваше внимание. Обязательно пересмотрю на досуге.

Лучшие моменты фильма: драка Рейнольдса и Джексона (да, это здесь будет); их музыкальная поездка в автобусе с монашками; истерические тирады Рейнольдса; история о том, откуда у киллера татуировка с воронами; история знакомства Кинкейда со своей любимой Соней (так трогательно); все сцены с Хайек в тюрьме; погоня в конце фильма (кстати, одна из лучших кинопогонь 2017 года, может и с «Форсажем 8» посоперничать) и каждый раз, когда Джексон обзывает героя Рейнольдса (обзываться, конечно, плохо, но у Джексона особый талант в этой области).

Если в фильме объединить Рейнольдса и Джексона, дать им в руки оружие и отправить в поездку, периодически взрывая что-то на их пути, получится веселый комедийный экшен, знатно поднимающий настроение. Категорически рекомендуется к просмотру поклонникам обоих этих актеров.

Люк Бессон с детства был поклонником фантастических комиксов «Валериан и Лорелин», и вот наконец-то технологии позволили ему воплотить давнюю детскую мечту на большом экране – снять экранизацию их космических приключений. Но получилась ли она такой эпической, как задумывалась?

Фильм открывается хроникой полетов людей в космос и эпизодом, показывающим, как сперва человеческие станции стыкуются в космосе, создавая основу для города над Землей, а после к ним присоединяются и инопланетяне. Потом нас отправляют на планету Мюл с ее жемчужными жителями, которую внезапно уничтожают огромные военные корабли, падающие с неба. Кажется, мы попали в абсолютно новый мир, но после история стремительно начинает утомлять своими скучноватыми персонажами, включая главных героев, и предсказуемыми сюжетными поворотами, а также совершенно не радует визуальной частью, на которую было потрачено столько денег (более 170 миллионов долларов). И вот уже спустя час, когда весь попкорн был съеден, начинаешь интересоваться у сидящих рядом зрителей (хотя я и сама должна это знать, я ведь критик), как долго все это будет продолжаться... После оказалось, что фильм шел более 2 часов, но было такое ощущение, что все 4.

Открывать город тысячи планет и другие закоулки галактики Бессона нас отправляют в компании бравых агентов майора Валериана (на вид ему лет 25, а уже майор) и сержанта Лорелин (на вид ей тоже 25, но с продвижением по службе ей повезло меньше). Сперва они летают на своем звездолете по космосу, потом охотятся на контрабандистов на базаре, который расположен в другом измерении (там все происходило насколько быстро, что вникнуть в эту хитроумную концепцию не было времени), и в результате прибывают в город тысячи планет под названием Альфа, где должны выполнить сложную миссию. Загадочные существа похищают командора Аруна Филитта, их босса, и Валериану с Лорелин придется напролом мчаться за ними на другой конец этого сложного города, дрейфующего в космосе, чтобы спасти его и раскрыть ужасный заговор. В дополнение им нужно охранять последнее существо в своем виде – конвертора, который способен размножать все, что съест, включая жемчужины, обладающие силой атомной электростанции (или даже больше). Уследить за всем происходящим сложно, поэтому в один прекрасный момент просто отключаешь свое внимание, а на экран все продолжают и продолжают выскакивать очередные инопланетяне, которых тут же забываешь.

Мне нравится Дэйн ДеХаан, в недавнем «Лекарстве от счастья» он был хорош, но Валериан – не его роль. Здесь из него отчаянно пытаются слепить кого-то вроде Звездного лорда из «Стражей Галактики» – эдакого космического мачо, но это не типаж ДеХаана, не его амплуа. А вот Кара Делевинь, чьей самой интересной на сегодняшний день ролью является Чародейка в «Отряде самоубийц», в образе Лорелин выглядит черезчур уверенно на фоне ДеХаана, частенько переигрывая. Зато она чувствует себя в скафандре космического агента, как рыба в воде, чем постоянно вытесняет Валериана на второй план, и заставляет задуматься над тем, почему фильм назван в его честь, а не в ее.

Но больше всего в отношениях Валериана и Лорелин раздражает то, что химии между актерами ноль, но по сюжету они должны быть безумно влюблены друг в друга. Более того, в начале фильма Валериан делает Лорелин неловкое предложение, которое потом не раз повторяет на его протяжении. Смотреть на это без новокаина очень сложно. Бессон будто заставляет их быть вместе силой своего воображения, а они отталкиваются друг от друга еще дальше.

Клайв Оуэн здесь воплощает самого заезженного злодея, который вам только может повстречаться на просторах вселенной. Сценарий отчаянно пытается создать интригу вокруг истории с уничтоженной планетой, но с первых секунд его появления на экране ясно, что это был его командор. А нам эту «новость» преподносят в финале, спустя 2 часа, как нечто, что должно нас поразить.

На роль одной из ключевых инопланетянок – гламопода по имени Баббл – Бессон пригласил певицу Рианну, которая в последнее время все чаще пробует себя в качестве актрисы. Ее Баббл обладает способностью превращаться в любое живое существо и работает в баре на окраине Альфы, где ее и находит Валериан. Сперва она демонстрирует ему все свои прелести в эротическом танце с шестом, а после герой вызволяет ее из рабства и отправляется с ее помощью спасать свою напарницу/возлюбленную Лорелин из лап человекоядных булан-баторов (очередной вид инопланетян). Это вторая более-менее крупная роль Рианны на большом экране после провального «Морского боя», и ей еще работать и работать над своей игрой, поскольку в образе синего гламопода со щупальцами она выглядит гораздо интереснее, чем со своим настоящим лицом и телом, пусть и наряженная в разные костюмы. Надеюсь, что в «Восьми подругах Оушена» ей повезет больше.

Когда говорят, что «Валериан» находился в разработке 40 лет, то пытаются поразить нас столь длинным путем комикса на большой экран, но на самом деле его просто передержали на стадии предпродакшн. Бессон сам упоминал, что именно «Аватар» и его спецэффекты позволили снять «Валериан», и в этом заключается основная проблема данного фильма. Он не стал первым, он стал очередным внебрачным (то есть внефраншизным) отпрыском «Аватара», в чьей ДНК присутствуют далекие гены «Звездных войн». Очень далекие, поскольку в отличие от «Валериана» «Звездные войны» умеют создавать новые правдоподобные планеты и существ, которые органично живут в кадре, а не обрушиваются на зрителя длинным списком имен и способностей, как из межгалактической энциклопедии, что знатно утомляет при просмотре. В результате у режиссера получился какой-то «Аватар» для детей. Такая себе детская научная фантастика, которую не хочется пересматривать.

Смотришь «Валериана» и возникает чувство, что Бессон хотел уместить в нем сразу все. В результате фильм со своими 200 видами существ с труднопроизносимыми названиями стал похожим на межпланетный винегрет. Если не подсматривать предворительно их имен в интернете, могу сказать, что из них всех запомнился малыш Да – круглолицее маленькое существо со злобной мамочкой. Ну и конвертер, которого могли бы назвать и позвучнее. Кстати, конвертер и неубиваемые скафандры Валериана и Лорелин – две вещи из данной истории, которые хочется иметь в своем распоряжении.

После просмотра «Валериана» захотелось по-настоящему эпической фантастики, поэтому пересмотрела «Изгой-один». И вам советую.

Как бы далеко ни продвинулись компьютерные технологии, Бессону уже не превзойти свой «Пятый элемент» никакими «Валерианами».

Спин-офф «Заклятия» под названием «Аннабель», рассказывающий об одержимой демоном кукле, смог окупить свой бюджет почти в 40 раз, поэтому появление чего-то в духе «Аннабель: Создание» было неотвратимым. И тут создатели решили снимать не продолжение, а приквел, чтобы показать, откуда взялась эта страшная кукла, которую никто в здравом уме не подарил бы своему ребенку.

Слоган фильма интригующе заявляет, что мы не знаем настоящую историю происхождения Аннабель, но при просмотре постоянно ловишь себя на том, что все это уже было показано в других современных хоррорах. В частности сюжет перекликается с франшизой «Уиджа», в прошлогоднем приквеле которой  можно было увидеть ту же Лулу Уилсон – юную актрису, воплощающую в «Аннабель: Создание» одну из основных героинь. События этого фильма тоже разворачиваются в недалеком прошлом в большом мрачном доме; в центре событий – дети; демон тоже сперва прикидывается мертвым близким человеком, а потом открывает свою сущность; да и само его воплощение весьма похоже. Но у данной истории с фильмом «Уиджа. Происхождение зла» все-таки есть одно отличие – здесь одержима не героиня Уилсон, а ее подружка.

Сюжет «Аннабель: Создание» завязан вокруг смерти маленькой девочки, дочери кукольника, которая что при жизни, что после смерти выглядит пугающе. 12 лет спустя трагических событий кукольник вместе с женой пускают в свой огромный (и жуткий) дом пожить монахиню с девочками-сиротами, которым некуда податься. И одна из этих девочек, которую зовут Дженис (Талита Бейтман), несмотря на свое физическое состояние – девочка плохо ходит после полиомиелита – из своего любопытства забредает в комнату мертвой дочери, куда строго-настрого запретили входить, и выпускает на свободу злой дух, связанный с уродливой куклой. После этого каждая ночь в доме для девочек становится пыткой – на них началась охота, и демон не успокоится, пока не заберет их души (очень оригинально, в общем). Вместо того, чтобы убежать оттуда на следующее утро, Дженис и другие девчонки продолжают бродить по дому по ночам, заглядывая в самые темные  его уголки. Не знаю, что это за дети такие, но меня в их возрасте (да и сейчас) там никакими куклами и пирогами не удержали бы. Уж лучше жить в поле без крыши над головой.

Сложно сказать однозначно, когда именно кинематографисты вдруг решили, что зрителей надо пугать жуткими детьми, но точно где-то после выхода на экраны римейка «Омена». Да и зачем заморачиваться, придумывать каких-то крутых монстров с гримом и особыми суперспособностями и целями, если можно взять стремную девочку или мальчика, сказать ей или ему ходить в кадре с безэмоциональным лицом, и все – монстр готов. А потом во второй части фильма превратить этого ребенка в демона со светящимися глазами, блюющего черной жижей и ползающего по стенам, и хоррор готов. Вот вам и короткий пересказ «Аннабель: Создание».

Из актеров фильма больше всех понравилась Стефани Сигман, которую вы могли увидеть ранее в «Спектре» и «Нарко». Ее героиня кажется единственным более-менее адекватным человеком в этой истории, и вряд ли найдется в кино более красивую монахиню. И Энтони ЛаПалья, который воплощает отца Аннабель, здесь неплох. Ему бы играть маньяка, тогда никакой демон и не понадобится. А вот Миранда Отто, с которой неотъемлемо ассоциируется тот мощный эпизод из третьего «Властелина колец», где ее героиня Эовин убивает самого Короля ведьмака, в образе матери Аннабель скучна.

Большинство зарубежных критиков хвалят новую часть франшизы «Заклятие», но чем она им так приглянулась, сказать не могу. Ужасно скучный и абсолютно не страшный хоррор, при просмотре которого нелепости сюжета вызывают разочарованный смех. Конечно, самых впечатлительных зрителей данное творение будет заставлять подскакивать в кресле от неожиданности, когда в кадр что-то впрыгивает, но это единственное, чем вас может испугать «Аннабель: Создание». После просмотра фильм быстро забудется и не будет вам вспоминаться по ночам, как бывает с отличными ужастиками. Это как история, которую дети рассказывают в лагере вокруг костра, чтобы напугать друг друга. Я могу назвать минимум по 5 серий «Доктора Кто», «Баффи» и «Сверхъестественного», которые гораздо страшнее и продуманнее, чем кинокартина режиссера Дэвида Ф. Сандберга. Кстати, этот режиссер будет снимать супергеройский экшен «Шазам» по комиксам DC, что настораживает, поскольку DC уже хватает посредственных экранизаций.

Перед фильмом показывают трейлер «Оно», новой адаптации романа Стивена Кинга, и он выглядит гораздо более интересным, чем данный сиквел, как и его главный антагонист – клоун Пеннивайз. Надеюсь, что из него получится что-то толковое.

Когда даришь ребенку жуткую куклу – не жди потом ничего хорошего.

«Анабель» – це американський фільм жахів 2014-го року режисера Джона  Р. Леонетті, продюсера Джеймса Вана. Стрічка розповідає про ляльку, одержиму демоном, яка потрапила до звичайної американської сім’ї. Історія, знайома як любителям жанру (Анабель згадувалася в стрічці «Закляття»), так і людям, які цікавляться надприродним (така лялька дійсно існує і знаходиться в скляній клітці, у домі Еда та Лорейн Уорен, відомих мисливців на нечисть). Я багато схвального чув про дану картину, але перегляд почав з досить скептичним настроєм. Переважна більшість сучасних фільмів жахів – це одноразові страшилки, а не історії, які дійсно лякають. Ще рідше зустрічаються картини цього жанру, які є якісними як кіно (мається на увазі якість режисури, музики, акторської гри і т.д.). Проте, перші ж хвилини фільму змінили мою думку.

Почну з мінуса, єдиного, чим грішить «Анабель», - простота сюжету. Та пов’язане це лише з тим, що нечисть у кіно майже завжди прямолінійна. У даній стрічці демон має певну мету і йде до неї. Фактично, це мінус усіх фільмів жахів. Проте, у даному випадку не потрібно простоту сюжету сприймати як його передбачуваність. Картина не належить до сміття жанру, де кожен крок головних героїв глядач знає наперед. Навпаки – вона постійно дивує.

Тепер про те, чим фільм може похвалитися.

Візуальна частина – неперевершена! Без перебільшень. Джеймс Ван, батько таких культових хоррор-франшиз, як «Пила», «Астрал» та «Закляття», і тут виклався на всі 100%. «Анабель» - це справді якісне кіно, яке хочеться переглядати знову і знову. Причини цьому дві. По-перше, фільм дійсно лякає, пробирає холодом до самих кісток, а напруження тримає буквально від перших кадрів до закінчення титрів. По-друге, режисер не вперше знімає кіно і використав при створенні картини кілька оригінальних (навіть психологічних) прийомів, за якими дуже цікаво спостерігати. Усе це органічно доповнюють чудово підібрані декорації та костюми, робота гримерів та акторів. Тобто, стрічка сильна як в плані атмосфери, так і з технічної точки зору.

Перше, що привертає увагу при перегляді – це віртуозне використання ракурсів. Робота оператора варта похвали. Ракурси виглядають дуже цікаво. Вони з одного боку акцентують увагу на якихось деталях картини, символах чи на чомусь, що має статися, а з іншого – розсіюють увагу глядача, адже далеко не завжди те «щось» відбувається. Коли в кадрі показана широка панорама кімнати, а головний герой знаходиться на її краю, ти дивишся на решту показаного простору й не знаєш, чого чекати. Ця невідомість неабияк нагнітає атмосферу.

Дуже цікава гра освітлення у фільмі. Передній план, на якому ми бачимо героїв стрічки, майже завжди світлий, а от фон – постійно перебуває у напівтемряві. Це змушує підсвідомо чекати чогось поганого. Таке освітлення використовується впродовж усієї картини і глядач більш ніж півтори години проводить у напруженому очікуванні.

Не менш важливим прийомом режисера є дотримання пауз. Тобто у фільмі спеціально затягуються деякі сцени. Вся суть даного прийому полягає у тому, що лякаючі сцени розтягуються на кілька секунд, щоб напруження та переляк перетворилися у справжній страх. І це чудово діє. Такі паузи не дуже часто побачиш у фільмах жахів (частіше бачимо звичні тремтіння камери чи скрімери, тобто раптові появи монстра), а дана картина наповнена ними по самі вінця та просто чудово реалізовані.

Незвичні ракурси, гра освітлення, затягування моментів – усе це далеко не нові для кіно прийоми. Але у фільмі «Анабель» вони створили чудову, похмуру атмосферу та сильний психологічний тиск на глядача. Стрічка не лише лякає, але й тримає у напруженні на підсвідомому рівні, за що й полюбилася любителям жанру.

Варто присвятити кілька слів музичному супроводу. Він у фільмі підібраний просто чудово. Можливо, не найоригінальніший звуковий ряд для фільму жахів (скребіння, рев, скрипка), але ідеально підходить під показані моменти. Разом з усім, переліченим вище, підсилює гнітючу атмосферу та напруження. По суті, без музики вплив на глядача був би далеко не таким сильним.

Насамкінець хотів би звернути увагу на те, що особливо сподобалося у стрічці «Анабель». Фільми жахів запам’ятовуються глядачеві далеко не за монстрів чи скрімери (виняток – шикарний момент із «Закляття 2», де той же Джеймс Ван примудрився налякати звичайним хлопанням долонь). Та й глибоким сюжетом такі картини не часто можуть похвалитися. От за що хоррори дійсно впадають у душу любителям полоскотати собі нерви – то це за оригінальність ідей. Коли під час перегляду певної сцени фільму кров холоне у жилах, а страх перемішується із захопленням показаним, стрічка дійсно запам’ятовується надовго. Адже кожен із нас, почувши знайому назву, в пам’яті відтворює одразу саме ці моменти. Стрічка «Анабель» насичена подібним. Чого варта сцена в ліфті, або фрагмент, показаний на зображенні! І таких цікавих моментів у фільмі багато.

Як підсумок, хочу зазначити, що «Анабель» - один з найкращих фільмів жахів, які я бачив. Стрічка дійсно лякає і тримає у напруженні до самих титрів. Крім цього, картина може похвалитися чудовою режисурою, операторською роботою, гримом, декораціями, музикою тощо.
Я чудово розумію, що фільми жахів до вподоби далеко не усім, та кіно справді варте уваги. Любителям жанру ж фільм «Анабель» обов’язковий до перегляду!

Фильмов о Второй мировой войне снято немало. К этой теме обращались кинематографисты со всего мира, включая Стивена Спилберга, Квентина Тарантино и Терренса Малика, и интерес к ней не иссякает. Теперь пришло время создать свою военную симфонию и Кристоферу Нолану.

Из всех многочисленных реальных событий Второй мировой Нолан предпочел перенести на экран масштабную операцию по эвакуации союзных войск с пляжей Франции, которая была проведена в мае-июне 1940 года. Тогда британских, французских и бельгийских солдат со всех сторон окружили немцы, с каждым днем, каждым часом сильнее оттесняя их к морю, бомбя с воздуха и отправляя на дно любой военный корабль, пусть даже там находились раненные. Солдаты ждали и молились, а некоторые уже и не верили, что смогут оттуда выбраться, но потом произошло настоящее чудо...

Когда был озвучен каст фильма, куда вошли такие признанные актеры, как Том Харди, Киллиан Мерфи, Марк Райлэнс и Кеннет Брана, его ожидание возросло в сто крат, но тут Нолан решил удивить. Он отдал вышеперечисленным актерам ключевые, но не основные роли, и вывел на передний план молодую гвардию в лице Фьена Уайтхеда, Тома Глинна-Карни, Барри Кеогана, Джека Лаудена и мегапопулярного певца и начинающего актера Гарри Стайлса. Режиссер создал для них самые близкие к реальности – насколько это было возможно – условия с тысячной массовкой в военном обмундировании и постоянными взрывами вокруг, и после парни сами признавались в закулисном интервью, что им приходилось не столько играть, сколько реагировать на происходящее.

Для них это был дебют в большом кино такого масштаба, и каждый из них отлично справился с поставленной задачей, воплотив молодого солдата, который хочет любой хитростью попасть на отплывающий корабль; юнгу, который вместе с отцом едет на небольшой яхте спасать своих солдат; пилота-аса, который будет биться в воздухе до последнего; парня с добрым сердцем, который хочет стать героем; и солдата, который стремится домой, но боится вернуться туда с позором. За каждого из них переживаешь и в напряжении ждешь, чем же завершатся их стремления и попытки покинуть проклятый пляж.

« – Куда вы?

– В Дюнкерк.

– Я не вернусь. Там верная смерть.

– От этого не спрячешься, сынок.»

Что касается известных актеров, то Мерфи сыграл здесь возможно свою лучшую роль во всей карьере. Он прекрасно знал, что его персонаж не главный, но выложился на все сто процентов и даже больше, воплощая контуженного солдата, чье психическое состояние сделало его очень опасным. Райлэнс вновь показал мастер-класс в том, как оставаться спокойным при любых обстоятельствах, что вероятно принесет ему номинацию на «Оскар». Из Браны получился достойный офицер, который покинет пляж только с последним солдатом, а за героя Харди в его воздушной дуэли вы будете переживать до самого конца, и вместе с Лауденом кричать: «Давай, Феррьер!».

Самым эмоциональным моментом истории является сцена, когда наглядно видишь, как за всеми этими солдатами буквально «пришел их дом». В глазах Браны стоят слезы, как и в глазах зрителей. Это невероятный эпизод, очень воодушевляющий, а в военных фильмах таких мало. Смотришь на то, как на горизонте появляются тысячи гражданских суден, и ком стоит в горле. Немцы наверняка были ошеломлены этим зрелищем не меньше союзных войск, которые уже потеряли всякую надежду. Герой Браны говорил, что могут спастись от силы 30-40 тысяч, а спасается 330 тысяч! Пускай это отступление, пускай это только 1940 год, впереди еще много битв и много потерь, пускай герой Стайлса считает, что они подвели свою страну, но, как по мне, спасение стольких людей – это одна из лучших страниц в истории. И в конце дня этого было более чем достаточно.

Еще недавно казалось, что после эпического «Интерстеллара», где Нолану покорилось все пространство, время и спецэффекты, режиссеру не удастся превзойти самого себя, но, выбрав тему Второй мировой, он не прогадал. Нелинейное повествование делает фильм уникальным в своем жанре, заставляя следить за тремя параллельными историями на суше, на воде и в воздухе, пока они чудесным образом не переплетутся в сильный финал. Более того, снимая на камеры IMAX, Нолану действительно удалось создать на большом экране эффект 3D без непосредственного 3D. Эти общие планы голубого неба, серого пляжа и темно-синего моря просто поглощают тебя при просмотре. А музыку Ханса Циммера здесь чувствуешь всеми фибрами души и клетками тела; она проникает в тебя, пронзая насквозь и приковывая к креслу в кинотеатре.

«Дюнкерк» – одна из лучших оригинальных кинокартин года, которую с удовольствием захочется пересмотреть под настроение (или когда вновь возникнет желание полетать вместе с Харди на «Спитфайре»). Нолан создал еще один очень насыщенный и цельный фильм, который является довершенным сам по себе и не требует никаких продолжений, как бы сильно вы не привязались при просмотре к его персонажам. Мы видим их прибытие домой (это не спойлер, учите историю) и отпускаем их с чистой совестью. А в мире сиквелов, приквелов и римейков это будто глоток свежего морского воздуха.

Уже с огромным нетерпением жду, чем же нас порадует Нолан в следующий раз. Он признался, что хочет снять фильм о Джеймсе Бонде... но за что бы этот режиссер ни взялся в будущем, теперь нет никаких сомнений, что это будет если не очередной шедевр, то как минимум жемчужина в мире современного кинематографа. Более скромным словам здесь не место.

Сколько бы ни было снято фильмов о Второй мировой войне, Нолан показал, что в ней еще остались непрочитанные страницы. И режиссер без лишней суеты погружает в них с головой, показывая, как отвага простых людей спасает сотни тысяч жизней.

Як ревний фанат жанру «фентезі», я не міг обділити увагою нещодавню прем’єру – «Король Артур: Легенда меча». Тим більше, що режисером фільму виступив один із найкращих та найвідоміших сучасних представників цього ремесла (і один з моїх улюблених) – Гай Річі. Усі попередні його стрічки мені неабияк сподобалися своїми енергійністю розповіді, динамікою сюжету, тонким гумором та легкістю сприйняття. Останні картини Річі виділяються ще й чудовим музичним супроводом, неперевершеним візуальним рядом та іменитим акторським складом. Попри те, що у «Легенді меча» усе це присутнє й глядачам картина сподобалася, критики зустріли фільм дуже холодно. Чому такі розбіжності? Спробую пояснити.

Почну з того, що «Король Артур: Легенда меча» – це може не найкраще, але далеко не найгірше творіння Гая Річі. Стрічка містить в собі усе те, за що ми любимо цього англійця.

Сюжет продуманий до деталей. Немає жодної зайвої сцени. Події розвиваються логічно та динамічно. Діалоги прописані дуже добре. Сподобалася дуже операторська робота. Вона просто зачаровує.

Кожен персонаж, попри досить поверхове розкриття, індивідуальний, має свою історію, свій характер, а тому цікавий. Може не усі імена запам’яталися, та їхні вчинки – точно. Що стосується другорядних героїв, то їхні передісторії подаються у вигляді кількох фраз. Так, поверхово, але це ми бачимо у всіх фільмах Гая Річі, і цього достатньо, щоб співпереживати персонажам, розуміти їх та цікавитися ними. Їхній характер, переконання та внутрішній світ ми бачимо у їхніх вчинках, а не в порожніх словах.

А чого варті харизми головного героя та антагоніста стрічки! Чарлі Ганнем, який зобразив нового короля Артура на екрані, чудово вжився в роль. Багато хто говоритиме: «Не канон!», і буде правий. Перед нами не постає благородний лицар, ми бачимо дрібного злочинця, який виріс у борделі, грубого, брутального та самовпевненого. Та Гай Річі й не хотів показати канонічного Артура. Якщо прийняти таке бачення, розумієш, що головний герой – чудовий. Він, попри вуличне виховання, має цілком благородні переконання, прив’язаності, вірних друзів. Персонаж Ганнема розвивається впродовж усієї стрічки, він, як і всі ми, падає під тягарем непереборних обставин, важко переживає втрати, любить та ненавидить. Артур Гая Річі – живий, чим і викликає симпатію.

Антагоніст стрічки, Вортигерн, у виконанні неперевершеного Джуда Лоу також получився добротним. Чудово прописаний, із сильним характером (взяти хоча б жертви, на які він, не без душевних мук, йде заради поставленої мети), переконаннями. Як говорив сам головний герой стрічки, персонаж Джуда Лоу – уособлення зла. Звідси і його шаблонність. Та я побачив дуже глибокого героя, який скоріш страждає від власних амбіцій, ніж є чистим злом. Він розумний, чудово усвідомлює, що влада – це найбільша сила у нашому світі. Також він розуміє, що ця влада йому не дістанеться чесним шляхом. Жорстокість, показовість та недовіра до усіх – це наслідок розуміння Вортігерном того, що він не зможе ніяким добродійством втримати корону в своїх руках після братовбивства, за допомогою якого герой і сів на трон.

Обоє персонажів цікаві, глибокі, чудово прописані й ще краще зображені акторами. Та найголовніше – вони чимось схожі на кожного із нас, та дуже сильні характером. Пафосні? Моментами – так. Але це необхідно для надання картині епічності. Це ж блокбастер все-таки і критикувати його за те, що лише посилює його, безглуздо.

Ритм оповіді просто скажений. Це одна із головних особливостей режисерського «почерку» Гая Річі – кадри моментами змінюються з шаленою швидкістю, камера трясеться так, ніби на оператора напав рій бджіл, а історії так переплітаються, що інколи розповідь ведеться навіть з кінця. За подібне багато фільмів критикують (як і цей по-суті), та в фільмах Гая Річі подібне не дає відвести погляду від екрану, надає показаному енергійності, створює особливу атмосферу. Та така динаміка місцями змінюється повільними сценами чи довгими діалогами, що робить оповідь дещо нерівномірною.

Музичний супровід просто неперевершений. Він шикарний, чудово відповідає атмосфері епохи та стрічки, підкреслює настрій моменту. Любителі середньовічного мотиву гідно оцінять саундтрек «Короля Артура». Це одна із сильних сторін стрічки. Композитору низький уклін!

Окрім всього цього, в «Легенді меча» бачимо містику в перемішку з тонким гумором та часточкою романтики. Це поєднання в стрічці виглядає дуже органічно та приємно. Жарти ситуативні, смішні, злегка розвіюють загальну серйозність фільму. Порадувала любовна лінія: стримана, невульгарна, наповнена хімією між героями, яка відчувається. Щоправда, у кінці картини вона чомусь обривається. Це створює відчуття невеликої незавершеності, але на загальну атмосферу стрічки не впливає.

Солідний візуал, шикарна музика, акторська гра, цікава історія створюють чудову атмосферу, в яку поринаєш з перших же хвилин стрічки.

За що тоді критики так напали на фільм? Переглянувши його, відповідь для мене стала очевидною. По-перше, режисер дуже вільно переповів історію Артура, Круглого столу та меча Екскалібура. Людям, які виросли на кіно чи книгах по цих легендах, подібне трактування скоріш за все не сподобається. Точніше, точно не сподобається, що очевидно з численної критики. Невідповідність канону – це головна проблема «Короля Артура», яка змусила більшість глядачів негативно сприйняти побачене. По-друге, величезну масу матеріалу міфів просто неможливо вмістити у двогодинний хронометраж картини. Звідси й легка поверховість, часткова незрозумілість картини. Крім цього, до недоліків стрічки легко можна віднести занадто різку зміну кадрів у деяких моментах, невелику передбачуваність сюжету, ту ж скаженість ритму стрічки, нерівномірність оповіді, невідповідність епосі декорацій і костюмів тощо.

«Король Артур: Легенда меча» – це проба пера Гая Річі в жанрі «фентезі». І ця проба має багато недоліків для прискіпливого ока. Та Гай Річі знімає специфічні фільми, які не призначені для того, щоб викликати сльози, не для того, щоб над ними мізкували цілими днями чи бралися переосмислювати власне життя. Він знімає кіно, під час перегляду якого забуваєш про все і повністю поринаєш у показаний світ, відпочиваєш та просто насолоджуєшся легким та красивим фільмом. Такими були «Шерлок Холмс», «Агенти А.Н.К.Л.» і таким є «Король Артур». Як тільки-но глядач зрозуміє це, він побачить усю шикарність даного кіно. Особисто я, як шанувальник творчості Гая Річі, стрічкою задоволений повністю, вона перевершила усі мої сподівання і подарувала цілу палітру емоцій.

Як мінімум непогане фентезі й чудове кіно!